Esperamos que os guste. ¡Hasta el año que viene!

Booktrailer "Las Brujas de Salem"

"Esperando a Godot" de Samuel Beckett por Marián García Barcia.

Esperando a Godot (1953):

Esta es la obra más importante de Samuel Beckett.

La pieza se desarrolla en una carretera rural, sin más presencia que la de un árbol y dos vagabundos, Vladimir y Estragón, que esperan, un día tras otro, a un tal Godot, con quien al parecer han concertado una cita, sin que se sepa el motivo. Durante la espera dialogan interminablemente acerca de múltiples cuestiones, y divagan de una a otra, con deficientes niveles de comunicación.

Esperando a Godot es una obra perteneciente al teatro del absurdo, escrita a finales de los años 40 y publicada en 1952. Beckett escribió la obra originalmente en francés, su segunda lengua. La traducción al inglés fue realizada por el mismo Beckett y publicada en 1955.

La obra se divide en dos actos, y en ambos aparecen dos vagabundos llamados Vladimir y Estragon que esperan en vano junto a un camino a un tal Godot, con quien quizá tienen alguna cita. El público nunca llega a saber quién es Godot, o qué tipo de asunto han de tratar con él. En cada acto, aparecen el cruel Pozzo y su esclavo Lucky, seguidos de un muchacho que hace llegar el mensaje a Vladimir y Estragon de que Godot no vendrá hoy, "pero mañana seguro que sí".

Esta trama, que intencionalmente no tiene ningún hecho relevante y es altamente repetitiva, simboliza el tedio y la carencia de significado de la vida humana, tema recurrente del existencialismo. Una interpretación extendida del misteriosamente ausente Godot es que representa a Dios, aunque Beckett siempre negó esto.

Beckett utiliza la interacción entre sus personajes para simbolizar la carencia de significado de la vida moderna, ambos temas principales del existencialismo. Un crítico, referiéndose a las interminables escenas y a la escasez de personajes, resumió su crítica con una frase de la propia obra: "¡Nada ocurre, nadie viene, nadie va, es terrible

A pesar de esa frialdad, sin embargo, la obra también presenta momentos de comedia, que recuerdan el hieratismo de la comedia de Charlie Chaplin o Buster Keaton. Algunas escenas que incluyen juegos con sombreros, fueron adaptadas de los Hermanos Marx, y quizás el número de personajes podría basarse en lo mismo. El crítico Kenneth Burke argumentó que la relación de Vladimir y Estragon está basada en la de Laurel y Hardy (El Gordo y el Flaco).

Godot fue la primera obra de este dramaturgo que se llevó a escena. Fue un gran paso adelante hacia la experiencia normal humana tras su novela El Innombrable. 

Samuel Barclay Beckett, por Marián García Barcia.

 

Nació en Foxrock el 13 de abril de 1906 y falleció, tras una prolongada enfermedad, en París el 22 de diciembre de 1989.

Estudió los primeros años en el condado de Fermanagh y luego la carrera universitaria en Trinity College de Dublín, donde obtuvo el «Bachelor of Arts» en 1927.

 

En sus inicios trabajó como profesor de inglés en París, donde escribió un ensayo crítico sobre Marcel Proust y conoció a su compatriota James Joyce, del cual fue traductor y a quien le unió una fuerte amistad.

De regreso a Dublín empezó a luchar contra una profunda depresión producto de su carácter solitario y sombrío. Renunció al trabajo y empezó a viajar por diferentes países europeos, dictando conferencias y dedicando gran parte del tiempo a la literatura.
Tras ese comienzo, Beckett ejerció de dramaturgo, novelista, crítico y poeta irlandés.

Es considerado a día de hoy uno de los más importantes representantes del experimentalismo literario del siglo XX, dentro del modernismo anglosajón. Fue una figura clave del llamado teatro del absurdo y, como tal, uno de los escritores más influyentes de su tiempo.

En 1949 publicó "Eleutheria" y en 1953 "Esperando a Godot", siendo esta última su obra más importante. Obras seguidas por "Final de juego" en 1958 y "Días felices" en 1961. Ese mismo año recibió el  premio Prix Formentor y fue galardonado en 1969 con el Premio Nobel de Literatura.

       

   
 

Escribió sus libros en inglés y francés.

El teatro de Beckett adquiere tonos existencialistas aunque está llena de un humor corrosivo.

 

Otras de sus obras conocidas son:

Catastrophe

Come and go

Madre coraje y sus hijos de Bertolt Brecht. Jorge Silvosa Vázquez.

La famosa frialdad de Brecht provoca a lo largo de esta obra impactos de tremenda emotividad. Brecht no elige a una típica "pobre madre" a la hora de analizar la guerra y sus estragos, sino a una madre aparentemente astuta y curtida que representa lo que muchos alemanes, fascinados en aquellos momentos por Hitler, esperaban de la capacidad de rapiña del canciller. 

Por ejemplo, Madre Coraje, sencilla vendedora ambulante en el marco de la guerra de los Treinta Años entre católicos y protestantes en el centro de Europa, argumenta: "No dejaré que me habléis mal de la guerra. Dicen que destruye a los débiles, pero ésos revientan también en la paz. Lo único que pasa es que la guerra alimenta mejor a sus hijos" .

La historia se inicia en el momento en que unos reclutadores se llevan a los dos hijos varones que acompañan a Madre Coraje con el carro; uno, de gran valentía, para soldado de cuerpos de riesgo; otro, cobardica, para la administración. Ella queda únicamente con su hija muda Kattrin y sigue su peregrinar, preocupada únicamente de que la guerra pueda acabar súbitamente y la deje con el carro lleno de mercancías que no haya podido colocar. 
Poco a poco, no obstante, según la guerra se va prolongando años y años, su carro acaba casi vacío y ella observa que tampoco a la gente le queda nada con lo que poder comprar o cambiar lo que ella lleva. El hijo cobarde realiza un desfalco y acaba muerto por sus propio ejército. El hijo valiente es acusado de un acto de pillaje e igualmente ejecutado. Kattrin es herida y su cara queda desfigurada. 

En el último y más emocionante cuadro, mientras Madre Coraje está en la ciudad sitiada, una tropa se acerca por sorpresa para atacar por la noche. Con el objetivo de avisarles, Kattrin coge un tambor que lleva en el carro y se sube a un alto tocándolo lo más fuerte que puede. Los soldados asaltantes le disparan varias veces y finalmente la matan, pero consigue que los de la ciudad se pongan en alerta.

Trayectoria

Estrenada en Zúrich en 1941 fue encarnada por Therese Giehse y posteriormente en la versión revisada por Helene Weigel,1 la segunda esposa de Brecht con quien creo el Berliner Ensemble y que protagonizó la película del mismo nombre en 1961 dirigida por Peter Palitzsch.

Mundialmente reconocida como uno de los mayores logros de Brecht y el teatro alemán ha sido llevada a escena en Londres, Glasgow, New York, San Francisco, París, Viena, Cologne, Bochum, Slovenia, Argentina, Uruguay, México y Uganda.

Ha sido interpretada por destacadas actrices de cine y teatro, entre otras, por Gisela May, Ursula von Reibnitz (1964, Köln), Elisabeth Orth, Simone Signoret, Lotte Lenya, Judy Winter, Dorothea Neff (Viena, 1963), Ursula Karusseit, Germaine Montero, Angela Winkler, Hanna Schygulla, Katina Paxinou (1971), Maria Bill (Viena), Joan Littlewood (Londres, 1956), Anne Bancroft (1963), María Casares (1969, Paris), Pupella Maggio, Diana Rigg (1995), Glenda Jackson, Judi Dench (1984), Liv Ullmann (Oslo), Kathryn Hunter, Hennie Spronk, Maddalena Crippa (Milán), Fiona Shaw y en Nueva York por Jane Alexander, Meryl Streep2 (2005).

En el teatro en español por Alejandra Boero (1954, Buenos Aires), China Zorrilla (Montevideo, 1958), Cipe Lincovsky (1989, Buenos Aires), Amelia de la Torre (1966, Madrid), Mary Carrillo (1969, Valladolid), Rosa María Sardá (1986, Madrid), Vicky Peña (2003, TNC-Barcelona), Mercè Aranega (2010 CDN-Madrid) y Teresa Ralli (2010 Lima).

                                  

                 

Bertolt Brecht. Jorge Silvosa Vázquez.

Vida

Poeta, director teatral y dramaturgo alemán, cuyo tratamiento original y distanciado de los temas sociales y de los experimentos revolucionarios ha influido enormemente en la creación y en la producción teatrales modernas. Brecht nació el 10 de febrero de 1898 en Augsburgo (Baviera), y se formó en las universidades de Munich y Berlín. En 1924, aparece como autor teatral en el Berlín Deutsches Theater, bajo la dirección de Max Reinhardt. Sus primeras obras muestran la influencia del expresionismo, el principal movimiento dramático de la época. En 1928, escribió un drama musical, La ópera de los dos centavos (conocida en algunos países como tres peniques o tres centavos), con el compositor alemán Kurt Weill. Este musical, basado en The Beggar's Opera (1728) del dramaturgo inglés John Gay, era una cáustica sátira del capitalismo y se convirtió en el éxito teatral más importante de Brecht. Se estrenó en 1928 en Berlín. En 1924, había empezado Brecht a estudiar el marxismo, y, desde 1928 hasta la llegada de Hitler al poder, escribió y estrenó varios dramas didácticos musicales. La ópera Ascensión y caída de la ciudad de Mahagonny (1927-1929), también con música de Weill, volvía a criticar severamente el capitalismo. La preocupación por la justicia fue un tema fundamental en su obra. Durante este periodo inicial de su carrera, Brecht dirigía a los actores y empezó a desarrollar una teoría de técnica dramática conocida como teatro épico. Rechazando los métodos del teatro realista tradicional, prefería una forma narrativa más libre en la que usaba mecanismos de distanciamiento tales como los apartes y las máscaras para evitar que el espectador se identificara con los personajes de la escena. Brecht consideraba esta técnica de alienación, la -distanciación-, como esencial para el proceso de aprendizaje del público, dado que eso reducía su respuesta emocional y, por el contrario, le obligaba a pensar. Ejemplos, que incluía las obras La toma de medidas, La excepción y la regla, El que dice sí y el que dice no, es la expresión más radical del propósito socialista de Brecht.

A causa de su oposición al gobierno de Hitler, Brecht se vio forzado a huir de Alemania en 1933, viviendo primero en Escandinavia y estableciéndose finalmente en California en 1941. Fue durante esos años de exilio cuando produjo algunas de sus mejores obras, como La vida de Galileo Galilei (1938-1939), Madre Coraje y sus hijos (1941), que consolidaron su reputación como importante dramaturgo, y El círculo de tiza caucasiano (1944-1945). Brecht se consideraba a sí mismo un hombre de teatro que se había liberado de las tendencias del teatro expresionista para experimentar con nuevas formas. Quería mostrar que ese cambio no sólo era posible sino que era necesario. Su versátil empleo de la lengua y de las formas poéticas -lenguaje clásico mezclado con el habla del hombre de la calle, versos libres e irregulares- lo dirigió a sacudir la conciencia del público y a llevarlo de una pasividad acrítica a la reflexión y, esperanzadamente, a la acción. En 1948, Brecht volvió a Alemania, se estableció en Berlín Este y fundó su propia compañía teatral, el Berliner Ensemble. Fue una figura controvertida en la Europa del Este, ya que su pesimismo moral chocaba con el ideal soviético del socialismo realista. A lo largo de su vida escribió también varias colecciones de poemas, que, con sus obras de teatro, lo sitúan entre los más grandes autores alemanes. Murió el 14 de agosto de 1956 en Berlín.

                     

Obra:

Obras de teatro y libretos operísticos

• Baal
• Trommeln in der Nacht
• Im Dickicht der Städte
• Leben Eduards des Zweiten von England
• Mann ist Mann
• La ópera de los tres centavos (Die Dreigroschenoper)
• Ascenso y caída de la ciudad de Mahagonny (Aufstieg und Fall der Stadt Mahagonny)
• Der Ozeanflug o Der Lindberghflug, también Der Flug der Lindberghs
• Das Badener Lehrstück vom Einverständnis
• Der Jasager. Der Neinsager
• Die Maßnahme Die heilige Johanna der Schlachthöfe
• Die Ausnahme und die Regel
• Die Mutter
• Die Rundköpfe und die Spitzköpfe
• Die Horatier und die Kuriatier
• Terror y Miseria del Tercer Reich Leben des Galilei
• Madre Coraje y sus hijos
• Das Verhör des Lukullus, también Lukullus vor Gericht o Die Verurteilung des Lukullus
• El alma buena de Szechwan (Der gute Mensch von Sezuan)
• Herr Puntila und sein Knecht Matti
• El resistible ascenso de Arturo Ui (Der aufhaltsame Aufstieg des Arturo Ui)
• Die Gesichte der Simone Machard también Die Stimmen
• Schweyk im Zweiten Weltkrieg
• El círculo de tiza caucasiano (Der kaukasische Kreidekreis)
• Die Tage der Commune
• Turandot o el congreso de los blanqueadores (Turandot oder Der Kongreß der Weißwäscher)

Piezas en un acto:

• La boda de los pequeños burgueses (Die Kleinbürgerhochzeit).
• Die Bibel: obra dramática en un acto (publicada el año 1914 en un periódico estudiantil de Augsburg bajo el nombre de Bertold Eugen)
• Die Gewehre der Frau Carrar
• Der Bettler oder Der tote Hund
• Prärie (libreto de ópera)
• Er treibt einen Teufel aus
• Lux in Tenebris
• Der Fischzug
• Dansen
• Was kostet das Eisen?
• Die sieben Todsünden, también Die sieben Todsünden der Kleinbürger (libreto de ballet)

Poesía

Libros de poesía

• Lieder zur Klampfe von Bert Brecht und seinen Freunden
• Psalmen
• Bertolt Brechts Hauspostille
• Die Augsburger Sonette
• Die Songs der Dreigroschenoper
• Aus dem Lesebuch für Städtebewohner
• Die Nachtlager
• Geschichten aus der Revolution
• Sonette
• Englische Sonette
• Lieder Gedichte Chöre
• Chinesische Gedichte
• Studien
• Svendborger Gedichte
• Steffinsche Sammlung
• Hollywoodelegien
• Gedichte im Exil
• Deutsche Satiren
• Kinderlieder
• Buckower Elegien

Poemas y canciones sueltos

• An die Nachgeborenen
• Ballade von den Seeräubern
• Choral vom Manne Baal
• Der Schneider von Ulm
• Die Legende vom toten Soldaten
• Die Liebenden, también Terzinen über die Liebe
• Die Lösung
• Einheitsfrontlied
• Erinnerung an die Marie A.
• Fragen eines lesenden Arbeiters
• Der Anachronistische Zug oder Freiheit und Democracy
• Kinderhymne
• Legende von der Entstehung des Buches Taoteking auf dem Weg des Laotse in die Emigration
• Mein Bruder war ein Flieger
• Morgens und abends zu lesen
• Resolution der Kommunarden
• Schlechte Zeit für Lyrik
• Solidaritätslied para la película Kuhle Wampe

Prosa

• Bargan läßt es sein
• Geschichten vom Herrn Keuner
• Dreigroschenroman
• Der Augsburger Kreidekreis
• Flüchtlingsgespräche
• Kalendergeschichten
• Die unwürdige Greisin
• Die Geschäfte des Herrn Julius Caesar

                             

La Fura dels Baus. Jorge Silvosa Vázquez.

La Fura dels Baus es un grupo de teatro catalán creado en 1979 por Marcel·lí Antúnez Roca, Quico Palomar, Carles Padrissa y Pere Tantinyà. Se define como un grupo de teatro urbano que busca un espacio escénico distinto del tradicional. A partir de los años ochenta, y con obras como Accions, Suz/o/Suz, Tier Mon, Noun, MTM y Manes, sus escenografías buscan la integración del público en el espectáculo e incluyen música, movimiento, uso de nuevas tecnologías y de materiales naturales e industriales. De este modo se busca superar los límites impuestos por la concepción habitual del espacio escénico, y que el actor y el autor logren formar una misma entidad a través de la creación colectiva.

Trayectoria            

                     

Durante los años noventa la compañía ha extendido sus proyectos artísticos al teatro de texto, el teatro digital, la ópera o la realización de grandes eventos, entre otras actividades.

La Fura dels Baus participó en la ceremonia de apertura de los Juegos Olímpicos de 1992 de Barcelona. Firmas como Pepsi o Mercedes Benz le han encargado «acciones» de promoción.

Fiel a sus principios de creación participativa, La Fura desarrolla proyectos a través de Internet, como Work in progress 97, espectáculo en el que se conectaban escenas que ocurrían simultáneamente en diversas ciudades, dentro de un ámbito de teatro digital.

Con Atlántida de Manuel de Falla y El martirio de San Sebastián de Claude Debussy la compañía se ha adentrado en el mundo de la ópera. Ha preparado una puesta en escena de La condenación de Fausto de Héctor Berlioz para el Festival de Salzburgo de 1999.

En febrero de 2007 La Fura realizó la representación de la ópera La fábula de Orfeo, de Claudio Monteverdi en las bodegas del barco «Naumon» en el Port Vell de Barcelona, en el 400 aniversario de su estreno en 1607 en el Palacio Ducal de los Gonzaga en Mantua (Italia) bajo la dirección del clavecinista y director barcelonés Àngel Villagrasa.

Participaron de la inauguración de los Juegos Mediterráneos de 2005 en Almería. También llevaron a cabo el espectáculo principal del cierre de las celebraciones por el Bicentenario del Levantamiento del dos de mayo en 2008 en la Plaza Mayor de Madrid.

Por último, también se ha adentrado en la industria cinematográfica con la película Fausto 5.0.

En el año 2012 llegaron al Teatro Colón de Buenos Aires.

Fundadores

Premios recientes:

2009: Premios Líricos Teatro Campoamor. La producción de la Tetralogía de Richard Wagner del Palau de les Arts Reina Sofía ha obtenido el premio a la mejor dirección de escena, a cargo de Carlus Padrissa.

2008: La Fura dels Baus obtiene el prestigioso premio italiano Abbiati 2008  por las producciones del Palau de les Arts y el Maggio fiorentino Das Reingold y Die Walküre

2007: Premio Teatro Campoamor a la mejor nueva producción: Palau de Les Arts de Valencia, por la nueva tetralogía de R. Wagner, de la cual se ha representado El oro del Rhin y La Valquiria, con la dirección de escena de La Fura des Baus (Carlus Padrissa). Palau de Les Arts Reina Sofía, Valencia. Abril 2007.

2003:

• Garza de Oro del VII Festival de Cine Latino de Miami: Mejor Película por Fausto 5.0, Mejor Director, Isidro Ortiz, Álex Ollé y Carlos Padrissa por Fausto 5.0, y Mejor Actor, Eduard Fernández por Fausto 5.0.
• VII Premio Méliès de Oro a la mejor película europea de cine fantástico por Fausto 5.0, otorgado por la Federación Europea de Festivales de Cine Fantástico, en Luxemburgo.

2002:    

• Mejor espectáculo teatral del 2002, XXX, según los lectores de El País de las Tentaciones.
• Premio Goya a la mejor interpretación masculina a Eduard Fernández por Fausto 5.0
• Mención Especial del jurado a Fausto 5.0 y Cuervo de Plata al mejor actor a Eduard Fernández por Fausto 5.0, en el XX Festival Internacional de Cine Fantástico de Bruselas.
• Gran Premio del Festival Internacional de Cine Fantástico de Gérardmer (Francia) a Fausto 5.0.
• Gran premio a Fausto 5.0 y premio a los mejores actores protagonistas –Eduard Fernández y Miguel Ángel Solá– en el Festival de cine fantástico Fantasporto (Oporto).

 

Últimas obras (2010-2014):

• Quartett.
• Afrodita y el juicio de Paris.
• Un Ballo in Maschera.
• Ein Parzival.
• Samson y Dalila.
• Erwartung & Il Prigionero.
• Parsifal.
• Vulcano.
• Carmina Burana.
• Un Ballo in Maschera.
• Trilogía Romana.
• Tempo de Encontros.
• The Visit.
• Macaron de caza.
• The Hidden City.
• Tempo Livre.
• Prometheus Awakes.
• Orfeo ed Euridice Cinema.
• Turandot.
• La 2 Notícias.
• Oedipe.
• Terra Baixa Reload.
• Orfeo ed Euridice.
• Trilogía Romana
• Tristan et Isolde.
• Oresteïa (outdoor).
• Rainbow Drops.
• Quartett, di Luca Francesconi.
• Sonntag aus Licht.
• Sirkus.
• Multiverse.
• Gnosis.
• Spot Kh Lloreda-sin manchas.
• Global Rheingold.
• Degustación de Titus Andrónicus.
• Window of the City.
• Opening Carmina Burana.
• Eurovea.
• Flores Cósmicas.
• Tannhäuser.
• The Experience.

La cantante calva. Eugéne Ionesco por Laura Martínez Carrodeguas

Se estrenó el 11 de mayo de 1950 en el Théâtre des Noctambules, cabaret parisino, con puesta en escena de Nicolas Bataille. El guión fue publicado por primera vez el 4 de septiembre de 1952 por el Colegio de Patafísica. Desde 1957 se ha representado de manera continuada en el Théâtre de la Huchette, convirtiéndose así en una de las obras más representadas de Francia. Recibió el premio Molière d'honneur en 1989.

                                 
                                                                   
La obra La Cantante Calva de Eugene Ionesco no se puede catalogar de pertenecer a un teatro psicológico, ni a un teatro simbolista, ni social , ni poético ni superrealista. Es un teatro conocido como "Teatro del absurdo"  La presencia de personajes “reales” que tienen contacto con el mundo exterior, acentúa la temática absurdista y caótica de La Cantante Calva. En su plenitud es una parodia a la vida cotidiana del hombre.

En particular  cuenta la historia de dos parejas que forman un matrimonio, los Martin y los Smith representan la incoherencia universal de la vida bajo la motonía, lo que sucede con la rutina. Sus días son idénticos, uno después del otro. El tiempo parece no avanzar con ellos. De ahí que al final de la obra la trama se repita cambiando los personajes de los Smith por los Martin, diciendo estos las mismas cosas. Parodiando así a la tragedia griega. Hay personajes en la obra que buscan significado a su vida, pero hay otros que simplemente asimilan que la suya ha dejado de tenerlo hace mucho tiempo.




Ionesco a través de su obra se propone romper con toda ley literaria y metafísica, por lo tanto sus personajes y sus personalidades carecen de lógica. Dentro del universo paralelo creado por el autor sólo  hay dos personajes que están por encima de todo. 

• Sr.Smith y Sra.Smith:Son un matrimonio británico burgués.

• Donald Martin e Isabel Martin:Son un matrimonio que mantienen una conversación con los dos personajes centrales,pero que no sabemos mucho sobre su forma de ser o su aspecto físico. Por otro lado, el matrimonio Martin demuestra que el colapso comunicacional entre ellos es de tal envergadura que ya no saben ni donde viven, ni quienes son, ni quienes son sus hijos, ni de su relación como pareja. Ya ni si quiera se relacionan sexualmente. 

• El Bombero:El bombero en sí es un ser frustrado, a pesar de su profesión, no logra encontrar incendios, así que los anda buscando, esto se considera una metáfora de andar buscando el significado de su vida.

• Criada: Es la que desmiente todo lo que dice el matrimonio Martin, pero no sabemos si dice la verdad ya que no sabemos quién de los tres tiene razón.

El absurdismo es otra de las características de esta obra, un producto de la sociedad. Nuestra sociedad cambió al nivel que creó todo el movimiento nihilista. El hombre de hoy vive “esperando su salvación”, que algo cambie su vida radicalmente y que le lleve a un lugar mejor, donde sea feliz. La verdad es que eso nunca pasará, y es absurdo en sí. . Lo que el absurdismo muestra es la vida cotidiana sin contenido, como el tiempo en que vivimos puede ser cíclico, como nos movemos en algo que avanza pero no se mueve. Y es inmovilidad en el tiempo lo que produce la angustia que mucha gente no se explica.

                                    

Eugène Ionesco. Laura Martínez Carrodeguas.

Fue un autor teatral francés de origen rumano y más distinguido representante, junto con Samuel Beckett, del teatro del absurdo. El pesimismo se sitúa en la base del teatro del absurdo, que pretende poner de manifiesto la futilidad de la existencia humana en un mundo impredecible, junto con la imposibilidad de verdadera comunicación entre las personas; sin embargo, su obra está cargada de humor y sentido de humanidad. Ionesco fue uno de los dramaturgos más singulares e innovadores del siglo XX, de un humor mordaz y agudo, que consiguió trasladar al medio escénico las técnicas expresivas procedentes del surrealismo. De ese modo abrió nuevos caminos al teatro en una sociedad fragmentada y progresivamente dividida en compartimentos estancos, caminos que han sido seguidos por otros autores. Sus aportaciones a lo largo de medio siglo son transcendentales, aunque aún no sean apreciadas en su justa medida.

De padre rumano y madre francesa, su infancia transcurrió en París. Reclamado por su padre, regresó a los trece años a Rumania, donde realizó estudios y trabajos diversos y permaneció hasta 1938, cuando regresó a París. Inició su actividad periodística en diversos medios rumanos y provocó, en 1934, un fuerte escándalo por su ataque sarcástico a los valores literarios establecidos (T. Arghezi, I. Barbu, M. Eliade).

                                       

En 1950 se representó su primera obra, El Juego, que pese a no ser un éxito, le granjeó la amistad de intelectuales como A. Breton, Luis Buñuel, M. Eliade, R. Queneau y otros.


En 1970 fue elegido miembro de la Academie Francaise y obtuvo diversos premios literarios, que en adelante serían frecuentes, como sería frenética también su actividad en defensa de sus convicciones intelectuales y artísticas por toda Europa y América hasta el momento de su muerte.


 

La obra teatral de Ionesco es muy amplia, y entre sus principales piezas  se encuentran:

•  La cantante calva(1950) se estrenó en el Théâtre des Noctambules, una sátira fundada en la vida cotidiana.
•  La lección (1950), acerca de un profesor que asesina a sus alumnos.
•  Las sillas (1952), donde los personajes hablan con seres que no existen.
•  Amadeo o cómo salir del paso (1953), una parábola contra el matrimonio.
• El nuevo inquilino (1956).
• El rinoceronte (1959) es seguramente su obra más conocida; en ella, ante la resistencia y el asombro del protagonista, los habitantes de una villa se convierten en rinocerontes.
•  La sed y el hambre (1964).
• El rey se muere(1962).
•  Escribió también abundantes textos sobre teatro, libros de memorias y una novela, El solitario(1974).

Ensayos.

• La tragédie du langage (1958)
• Expérience du théâtre (1958)
• Discours sur l'avant-garde (1959)
• Notas y contranotas (1962)
• Découvertes (Descubrimientos) (1969)
• Antídotos (1977)
• Le blanc et le noir (El blanco y el negro) (1981)

Diarios, novelas y artículos.

• Le Piéton de l'air (1961)
• Journal en miettes (1967). Publicado en español por Editorial Guadarrama en 1968: «Diario» con traducción de Marcelo Arroita-Jauregui
• Présent passeé, Passe présent (1968). Publicado en español por Guadarrama: «Diario II»
• Le solitaire (1973)
• La photo du colonel (La foto del coronel) (1962)
• La vase (El barro) (1970). Guion
• El solitario (novela) (1974)
• Cuentos para niños menores de tres años (1976)
• Un hombre en cuestión (1979) Recopilarión de artículos
• La búsqueda intermitente (1987) Diario
• La base (1956)

"Pensar contra la corriente del tiempo es heroico; decirlo, una locura"

Els Comediants- Laura Martínez Carrodeguas

HISTORIA
Comediants es un colectivo formado por actores, músicos y artistas de todo tipo dedicado por completo al mundo de la creación.

Aunque básicamente se le conoce como grupo teatral, cuenta  con una variada producción en los campos más dispares: diseño, discos, libros, proyectos festivos, películas, vestuario, materiales pedagógicos o series de televisión son algunas de las distintas actividades en las que el equipo ha ido desarrollando su particular forma de expresión.

Para este colectivo cualquier sitio puede servir de escenario (una calle, una plaza, un barrio entero, un río, un prado, el Acueducto de Segovia, el Estadio Olímpico, la estación de metro de Times Square o el lago de Banyoles), cualquier elemento puede ser objeto de dramatización (un vaso de leche, una cama, un cabezudo…) y cualquier tipo de lenguaje (mimo, clown, comedia dell’arte, títeres…) puede ser perfectamente válido para llegar al espectador sin distinción de edad.

Desde sus orígenes en el año 1971, ha estado unido a lo que podría denominarse el espíritu festivo de la existencia humana. Todas sus creaciones, rituales, ceremonias paganas, populares, religiosas o iniciáticas celebran el paso  de los humanos en la Tierra.

Sus  representaciones y espectáculos van más allá del hecho puramente teatral o musical y buscan reactivar las profundas raíces festivas que nos cohesionan como especie y que nos conectan con la naturaleza de la que formamos parte. De este modo, han ido desarrollando un método de trabajo en el que no existe limitación ninguna.

FUNDADORES

Joan Font i Pujol: Director de la compañía y director artístico.

Jaume Bernadet i Munné: Director artístico.

Francesca Sola i Franch: Comunicación, RRPP, búsqueda de recursos y coordinación de proyectos líricos.

Rita Kuan: Actriz, creación y producción artística.

M dels Angels Julian i Garcia: Actriz.

Esta compañía ha conseguido muchos reconocimientos, entre los que destacan:

Medalla de Honor del Festival Castell de Peralada a Joan Font,  Director de escena de la compañía Comediants. 2011

Premio FAD de Honor a Jaume Bernadet  “Jaumet” por los treinta y cinco años de trayectoria poniendo cara y voz en los espectáculos de Comediants. 2010

Medalla de Oro al mérito en Bellas Artes otorgada por el Gobierno Español. 2001

Premio del público y Premio del jurado al mejor espectáculo del Festival Internacional de Belgrado per Dimonis. 1997

Creu de Sant Jordi otorgada por el Gobierno de la Generalitat de Catalunya. 1996

Premio a la Trayectoria Teatral, concedido por el Festival de Teatro Clásico de Almagro. 1995

Premio Europa / Nuove Realità Teatrali. Prima Edizione entregado en Taormina. 1994

Nombramiento de Catalanes del Año por el Círculo Catalán de Madrid. 1993

Premio Ercilla al mejor espectáculo teatral representado en Bilbao, por La Nit. 1989

Premio Nacional de Actividades Teatrales. Uno de los premios honoríficos de los Premios Nacionales de Teatro y Danza otorgados per la Generalitat de Catalunya y la Diputación de Barcelona. 1987

Premio de cinematografía de la Generalitat de Cataluña a la mejor película Karnabal. 1986

Premio Catalonia de Ilustración de la Bienal Internacional de Ilustración de libros para niños al libro Sol, solet. 1985

Primer Premio  ‘Critici in Erba’ al mejor libro para niños de la Feria del Libro para Niños de Bolonia por el libro Sol, solet. 1985

Premio Laus al libro Sol, solet. 1984

Libros Mejor Editados (por el diseño y la ilustración) concedido por el Ministerio de Cultura al libro Sol, solet. 1984

Premio Nacional de Teatro, otorgado por el Ministerio de Cultura. 1983

Premio Serra d’Or a la mejor aportación teatral en Barcelona, a la obra Sol, solet. 1980

Premio Radio España al mejor espectáculo del año representado en Madrid a la obra Sol, solet. 1980

Premio Ciutat de Barcelona a la obra Sol, solet. 1980.

Sus obras más premiadas son: 

Sol, solet:

 Recrea un viaje fantástico de un grupo de cómicos en búsqueda de la utopía representada por el Padre Sol.

Un itinerario guiado por la música de la canción popular catalana “Sol Solet” que nos lleva a vivir el noviazgo entre el Sol y la Luna, asistir al combate contra las nubes y ver el establecimiento del ciclo de las estaciones del año.

Un canto a la luz del mundo, a la naturaleza, a las ganas de vivir, de saltar, correr y gritar a los cuatro vientos lo fácil que es alcanzar la felicidad a través de cosas muy sencillas. El espectáculo nació en la calle de modo itinerante. Después se encerró en los teatros y resultó ser aún más explosivo y luminoso.

La nit:

 Descrita como la  farsa noctámbula de unos ingenuos soñadores y nacida directamente del trabajo de investigación del libro La Nit, esta obra se presenta como un caleidoscopio del mundo de la noche.

Los  caminos del insomnio, los oficios nocturnos o la crónica de sucesos escrita por un periodista, son las tres partes en las que se divide esta red de cascabeles que cada noche los duendes se encargan de desplegar encima de nuestras cabezas.

Proponía una nueva forma de entender el musical y de hablar de los sueños como si fueran videoclips, inventando un nuevo  lenguaje que llamaremos teatro-clip.

La película, Karnabal:

 Karnabal, es una película dedicada a cuestiones del mundo juvenil o desde una óptica que pueda bautizarse como joven. Una película nada habitual,  entre el cine y el teatro, festiva y realizada con gran libertad. 

 

OBJETIVOS:

Los  objetivos principales de esta compañía con cualquiera de sus obras son:  la provocación  que supone el optimismo frente a ciertas realidades actuales, la provocación que supone redescubrir lo cotidiano frente a la imparable rueda del tiempo y  la provocación del compromiso con el presente, el abrir los ojos a la gente para que vuelva a ver el mundo como una maravillosa gran casa de cultura y de placer.

Para terminar, qué mejor que mostrar un poco de su arte. Aquí os dejo un fragmento de Perséfone, el mito clásico desde el punto de vista de Les Comediants.